Research Catalogue

This conference will explore how emerging technologies—especially generative AI and blockchain—reimagine the current notions of creative agency. Conveners: Adam Łukawski, Martin Zeilinger Artificial intelligence (AI), with its learning algorithms operating at scale, can mimic human creative agency, and blockchain technologies, through smart contracts, can augment works of art with more or less autonomous behaviours that correspond to the agency of human participants in socio-economic interactions. While such developments can destabilise traditional notions of ownership, provenance, and agency in musical practices, they can also empower artists. Those working creatively with sound and music are today increasingly becoming system-builders and curators of musical ecosystems, turning their focus from the creation of singular, standalone musical works (in any traditional sense of the term) to the design of systems capable of generating artworks. This suggests an evolving role of music-producing systems today: from fixed intellectual constructs and creative expressions to dynamic, more-than-human technological networks that not only actively participate in the production of artworks with increasing levels of agency, but which can themselves be considered as artworks that constitute generative, expressive assemblages. This shift is further emphasised in distributed contexts, where varying levels of automation blur the boundaries between human and non-human contributions, creating environments where agency is negotiated and shared across diverse actants.

This research is rooted in nihilism, exploring how the contrast between materiality and spirituality leads to a radical way of perceiving existence. What does it mean to be unable to believe in "what's beyond"? What role does the body play in such an issue? Starting from philosophy, this debate finds expression through art and different iterations, attempts to face the consequences of nihilism.

Design for interactive art installation with urban regeneration proposal, as well as video about environmentalism and our technologically mediated private and public lives; installation catalogue design with photography and textual collage, 2021-2023. "There is a massive abundance of goods that end up in landfills. With such abundance of goods, no one should be deprived." Visitors will have to leave an unwanted item of theirs and take another to collect the installation catalogue. The installation will be monitored for this purpose. Designed with Wi-Fi light technology for agility training, the interactive floor in the entrance will be controlled by the visitors through a tablet computer that will allow them to select the difficulty level. The exposition offers a critical viewpoint to the contemporary gallery-mediated commercial environment by making reference to the non-monetary economies of artistic and cultural production. Art "is an instrument of war for attack and defense against the enemy". The enemy is whoever exploits their fellows out of egoism or personal interest (Pablo Picasso). With summary and questions about David Murakami Wood's article "The Global Turn to Authoritarianism", 'Surveillance and Society', (15), 3/4, 2017: 357-370.

Den akustiske og improviserte musikken er fundamentert på modeller som tar utgangspunkt i kollektivitet og samspill. Utgivelser av denne musikken baserer seg på å spille inn og dokumentere former for samspill, og altså lydfeste situasjoner som har foregått samtidig og i samme rom. ‘Stilarten’ vi karakteriserer som støymusikk er i høyeste grad også basert på samspill, men hvor innspillings- og utgivelsesprosessen er tuftet på andre kreative og skapende modeller. Her er prosessene rundt tid og rom ofte konstruert og manipulert via digitale eller analoge teknologier. Point of Return (improvisatoriske referansepunkt i tid og rom) er et prosjekt som går ut på å finne overføringsverdi mellom modellene, prosessene, rommene og bruken av tid. Største del av platesamlinga mi består av innspillinger fra 1960-tallet, for det meste jazzutgivelser fra USA, litt mindre av den såkalte europeiske improviserte musikken. Flesteparten er live-innspillinger tror jeg. Det er i hvert fall de jeg oftest setter på når jeg er alene hjemme – altså live platene. Etter hvert har vi blitt flere i husholdningen som jeg gledelig deler platesamlinga mi med, men ettersom min eldste datter på snart 8 år ikke har det samme romantiske (og analytiske) forholdet til den improviserte, akustiske og instrumentale musikken som meg, og ettersom jeg ikke har det samme romantiske forholdet til hennes Spotify-liste, har vi funnet ut at Beatles er noe vi begge kan sette på, noe begge kan nyte og synge med på. Vi har funnet fram til musikk innspilt lenge før vi begge ble født, men som begge har en emosjonell referanse til. Et lite segment av samlinga mi består av utgivelser fra den såkalte støymusikken. Disse platene hører jeg sjelden på (må jeg innrømme). Innkjøpene er som regel utført på grunnlag av (tidvis ikke helt edru) shopping på utenlandsreiser, og ofte på grunnlag av de kule omslagene. Likevel setter jeg stor pris på å være publikum på konserter med annonsert støymusikk. Det er noe magisk med disse konsertene, og jeg setter stor pris på at jeg ikke kan ‘sette fingeren’ på hva det er jeg liker med dem. Det handler kanskje om et fravær av analytiske egenskaper når det gjelder denne stilarten, jeg er litt ‘novise’, den er ikke min. Konsertene transporterer meg bort fra et analytisk ståsted og jeg setter stor pris på det oppstykkede lydlandskapet og de uvanlige elektroniske og soniske strukturene i musikken. Ingen av støymusikkplatene i samlinga mi er spilt inn live, og nesten alle er spilt inn av to utøvere, og på baksiden av omslagene oppgis det ofte at de har spilt inn musikken i hvert sitt studio, på ulik tid, men at utgivelsen likevel er produsert av begge to – som to adskilte og likeverdige improviserende komponister. Prosessen i mitt doktorgradsarbeid har i utgangspunktet gått ut på å spille inn musikk fra én og én utøver i isolasjon, for så å flytte dette innspilte materiale inn i en annen tid, i et annet sonisk rom, hvor musikken treffer (settes sammen med) annet innspilt improvisert materiale fra andre musikere. Arbeidet har i stor grad bestått i å eksperimentere med sammensetninger; versjoner av helheter, hvordan solistiske komponenter passer/ikke passer sammen, og hvilke felles og forskjelligartede referanser som er hensiktsmessig å benytte seg av i prosessen mot de offentliggjorte kunstneriske resultat.

Home page of the Journal of Sonic Studies

The project presents a distinctive mythopoeic audiovisual language created to express the experience of aging in a female body in the period between the twenties and thirties. Within the context of life in a late capitalist patriarchal society, and both individual and global events, it reflects on the age-old questions of the passage of time and the search for the meaning of life. At the same time, it examines the feelings of pressure, heaviness, and disposability that are part of the shared common experience of women. Through written word, cinematic language, and original author-composed music, it interweaves symbols and situations in which mud and natural metaphors play a significant role.