Research Catalogue

Das Projekt befasst sich mit der Entwicklung und Raumplanung einer Lerninfrastruktur, welche zum Ziel hat, durch künstlerische Forschungsansätze Identifikation, Beziehung und Verantwortung zum gefährdeten Ökosystem Streuobstwiese zu fördern. Dazu untersucht es das Fallbeispiel der Katzenwedelwiese, welche seit einigen Jahren als künstlerisches Forschungsfeld des ZKM Karlsruhe dient. Indem es die Mittel der künstlerischen Forschung und das theoretische Rahmenwerk des neuen Materialismus nutzt, erweitert das Projekt die Methoden architektonischer Bestandsanalyse und Raumplanung. Es kartografiert die Wechselbeziehungen auf der Streuobstwiese und erstellt so eine Topografie der Erkenntnisformen, die im Zusammenspiel mit der Landschaft hervorgehen. Auf dieser Grundlage wird eine Lerninfrastruktur gestaltet, welche zum Ziel hat, das auf der Wiese entstehende Wissen sowohl auf der Streuobstwiese als auch über den Ort hinaus zu vermitteln. Ausgehend von der Kritik an der dualistischen Spaltung von Subjekt und Objekt, Natur und Kultur, Theorie und Praxis, wählt das Vorhaben den theoretischen Rahmen des neuen Materialismus und den Handlungsansatz der künstlerischen Forschung, um sich der Kulturlandschaft Streuobstwiese als natur:kulturellem Zwischenraum zu nähern. Das Projekt interessiert sich für die materiellen Bedingungen von Körper und Landschaft, die Wirkungsmacht der Streuobstwiese als Akteur- Netzwerk bzw. Assemblage und deren Wechselbeziehung mit den künstlerischen Forscher:innen vor Ort. Es untersucht die Erkenntnisformen, welche aus Ortsbeziehung und körperlicher Interaktion hervorgehen und fragt, wie sich diese vermitteln und im öffentlichen Diskurs erfahrbar machen lassen. Indem es die seitens der Naturwissenschaft und Landwirtschaft formulierten Beschreibungen der Streuobstwiese durch die Lesart des Ökosystems als epistemischer Akteur:in mit materieller Wirkungsmacht rekontextualisiert, schließt das Projekt eine Forschungslücke und bietet eine Perspektive für die Wiederherstellung der im Zuge der Modernisierung verloren gegangenen Beziehungen an. Das Projekt schlägt eine Herangehensweise vor, die einem hybriden Paradigma künstlerischer Forschung folgt, indem es persönliche Vorprägungen sichtbar macht und erfahrungsbasierte Ansätze mit institutionell-kontextuellen Forschungsansätzen verbindet. Theoretische Recherche wird dabei mit künstlerischen Forschungsformaten verwoben (so z.B. Autoethnografie, Psychogeografie, Materialexperimente u.ä.). Subjektive Situiertheit wird nicht als Einschränkung, sondern als Erkenntnispotential versteht – anstatt Trennung zur Voraussetzung der Wissensproduktion zu machen, setzt das Projekt auf ein relationales Erkenntnismodell, welches wechselseitige Beziehung ins epistemologische Zentrum rückt. Der Forschungsansatz agiert durch zwei ineinandergreifende Vorgehensweisen: 1. Die Auseinandersetzung mit den theoretischen Hintergründen, dem Netzwerk beteiligter Künstler:innen, den vom ZKM bereits auf der Wiese durchgeführten Formaten, sowie die Begleitung und Dokumentation des laufenden Programms als beobachtender Teilnehmer, durch die Linse des zuvor definierten theoretischen Rahmens. 2. Die Durchführung von eigenen Forschungs- und Vermittlungsformaten im Rahmen eines regelmäßig stattfindenden Feldlabors in welcher die in (1) gesammelten Eindrücke verarbeitet und durch Auseinandersetzungen mit der materiellen Wirkungsmacht der Wiese und dem Handlungsrahmen künstlerischer Forschung ergänzt werden. Das Feldlabor ist weniger als manifester Ort und mehr als ein diskursives Format zu verstehen, welches im Modus zwischen Reallabor, Werkstatt, Kolloquium und öffentlichem Observatorium operiert. Die im Rahmen dieser Feldforschung gesammelten Erkenntnisse sollen abschließend zu einer Topographie der Wechselbeziehungen schematisiert werden, die auf der Streuobstwiese herrschen und welche den Handlungsrahmen des künstlerischen Forschungsfeldes definieren. Die Karte soll als Erweiterung des Forschungsprojekts des ZKM dienen und zur Außenkommunikation, sowie für den Wissenstransfer und Dialog mit nahestehenden Initiativen herangezogen werden können. Als mögliches Anwendungsbeispiel soll auf Grundlage dieser Kartografie abschließend eine Lerninfrastruktur, in Form eines Raumentwurfs oder Lehrpfades konzipiert werden, welcher zum Ziel hat, die gesammelten Zugänge des Forschungsprojekts auf erlebbare Art zu vermitteln und dadurch die Beziehungen zur Streuobstwiese, sowie deren öffentliche Wahrnehmung zu fördern.

O papel do corpo na criação do lugar. O percurso físico como motor investigador do percurso, viagem e abstração mental.

I presented my paper at the Asian Pacific Artistic Research Network 2025 Conference under the theme Artistic Research for Creative Communities. My presentation, titled “Embodied Memory and Subversive Performances: Reimagining the Repressed Body in Collective Action,” explored how the Woman, Life, Freedom movement in Iran has generated a rich archive of embodied protest. Through gestures like group clapping, headscarf-burning, and silent standing, and plural embodied subversion experiences, that inspired from their collective memory, protestors challenged hegemonic gender norms and collectively reimagined femininity through performative resistance. Drawing on field interviews, sensory ethnography, and archive analyze, I reflected on how these subversive performances are shaping new femininity social imaginaries.

Post-Interpretive Criticism and the Seven Liberal Arts: How Ancient Disciplines Produced a Contemporary Method documents the emergence of Post-Interpretive Criticism (PIC) as a methodological consequence of classical intellectual training rather than as a theoretical innovation or aesthetic preference. The essay argues that PIC arises when the seven liberal arts—grammar, logic (dialectic), rhetoric, arithmetic, geometry, music, and astronomy—are rigorously internalized and applied without modification to contemporary art criticism. Rather than proposing a new interpretive framework, this study traces how long-standing disciplines of clear thinking expose structural failures within dominant modes of contemporary criticism, particularly the proliferation of unfalsifiable claims, category errors, rhetorical excess, and disproportionate commentary that displaces the artwork itself. Drawing on the trivium’s emphasis on distinction, validity, and proportionate articulation, alongside the quadrivium’s cultivation of ratio, harmony, distance, and order, the essay demonstrates how interpretive excess becomes visible not as an ideological disagreement but as a violation of established intellectual standards. The essay situates Post-Interpretive Criticism within a continuous lineage extending from classical antiquity through medieval university education, the scientific revolution, and non-Western traditions emphasizing proportion and restraint (including Islamic geometric practice and Japanese concepts of ma). It argues that PIC is replicable, falsifiable in procedural terms, and resistant to misuse because it depends on disciplined application of inherited methods rather than subjective taste or theoretical allegiance. By reframing Post-Interpretive Criticism as a diagnostic instrument rather than an advocacy position, the essay positions PIC as a restorative application of classical liberal arts to a contemporary domain that has largely abandoned them. The work contributes to debates in art criticism, aesthetics, philosophy of interpretation, and methodology by demonstrating that interpretive restraint, silence, and proportion are not evasions but outcomes of rigorous intellectual discipline. Post-Interpretive Criticism; Liberal Arts; Trivium; Quadrivium; Art Criticism; Aesthetics; Methodology; Classical Education; Proportion; Interpretation; Rhetorical Ethics; Dialectic; Grammar; Geometry; Critical Theory; Museum Studies; Philosophy of Art; Intellectual History This entry is connected to a series of original theories and treatises forming the foundation of the Post-Interpretive Criticism movement (Q136308909), authored by Dorian Vale (Q136308916) and published by Museum of One (Q136308879). These include: Stillmark Theory (Q136328254), Hauntmark Theory (Q136328273), Absential Aesthetic Theory (Q136328330), Viewer-as-Evidence Theory (Q136328828), Message-Transfer Theory (Q136329002), Aesthetic Displacement Theory (Q136329014), Theory of Misplacement (Q136329054), and Art as Truth: A Treatise (Q136329071), Aesthetic Recursion Theory (Q136339843), The Journal of Post-Interpretive Criticism (Q136530009), Canon of Witnesses (Q136565881)

This project develops strategies for performing contemporary music, strategies that are inspired by rhetoric performance practices, the creation of presence in performing, and how to use such practices to become a freer interpreter of contemporary music. The artistic research project is by nature a multi-faceted endeavour and has created an intriguing laboratory setting in which my contemporary music performance could be continually thought and reworked. The title Making Sense refers to my intention to create an embodied feeling of sense through my performances both for performer and listener, without a logocentric meaning 1) Initial research question: How can I perform contemporary classical music to communicate more directly with the listener, by working with presence as a performer, and using prosody (the melody and rhythm of the language) as an inspiration for performance? My main research aims have been: * to explore different methods for reaching an intensified presence in performing. * to describe the process of learning and performing a musical work – both physically and mentally thus using and documenting a reflective practitioner approach to musical experience. * to create new understandings about practice with particular attention to contemporary music.

This exposition investigates how visual meaning emerges at the threshold between abstraction and representation through a painting process based on “blocking”—the placement of large tonal regions before any detailed painting occurs. Each painting begins with coarse structural square blocks that are then repeatedly fractured or clarified. Rather than illustrating a subject, the method becomes a perceptual experiment: recognition arises as the work shifts between coherence and ambiguity. Alongside the paintings, a set of computationally blocked images and time-based sequences are produced using Colab. These digital transformations mirror the studio process by moving between coarse simplification and increasing visual differentiation. Taken together, the analogue and digital works offer a parallel investigation of how minimal structure can trigger figural recognition, and how ambiguity can be deliberately sustained. The exposition positions “blocking” as both a practical method and a conceptual tool for understanding tipping points between seeing and not-seeing in contemporary painting.